科波拉的藝術風格

1. 手持式攝影：科波拉常使用手持式攝影鏡頭，為電影帶來了生動、真實的視覺效果，尤其是在拍攝《教父》系列時特別明顯。

2. 鏡頭運動：科波拉善於運用鏡頭運動來表現情感和氛圍，使得電影更具有動態感和節奏感。

3. 動態畫面：科波拉善於運用動態畫面表達複雜的情感和內心掙扎，常常使用低角度和強烈的對比來營造氛圍。

4. 光影對比：科波拉以精緻的攝影技巧，運用光影對比表現人物內心的情感變化，刻畫深刻的人物形象。

5. 支線敍事：科波拉擅長通過支線敍事手法，展現電影中的各類人物形象和情節，讓電影節奏更加豐富。

6. 寓意深刻：科波拉的電影常常藴含着深刻的寓意和哲理，他通過電影語言潛移默化地傳達出對人性的探討與思考。

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電影製作的藝術：10位好萊塢導演的10大標誌性視覺特色

人物不分先後，文章僅代表個人觀點，僅闡述大概，僅供 娛樂 參考，歡迎評論和交流。

雖然昆汀·塔倫蒂諾並不羞於在銀幕上展示他對腳的興趣(在他的電影中，他經常至少一次框住女人的腳)，但他使用過度暴力的方式也很有特點。除此之外，這位天才導演還因在許多場合反覆使用低角度視角而聞名。

昆汀·塔倫蒂諾並沒有發明從 汽車 後備箱裏捕捉膠片的電影鏡頭(因此有了“後備箱鏡頭”)，但這無疑是他的標誌之一。他在這方面取得了如此輝煌的成就，也已經成為他電影中一個與眾不同的部分。

“庫布裏克凝視”對任何人來説都不陌生。這位才華橫溢的電影人在他的電影中融入了很多導演技巧，它採用了一種鏡頭構圖的方法，角色的頭稍微向下傾斜，從眉毛下面往上看，有時會露出令人毛骨悚然的微笑或鬼臉。

這樣的結果通常會告訴觀眾，這個角色要麼是真的很生氣，要麼是真的瘋了，很顯然，在電影中，被“庫布裏克凝視”的人很可能真的倒黴了。

讓“諾蘭御用”演員邁克爾·凱恩出演他每一部電影都算不上是視覺上的標誌，克里斯托弗·諾蘭精彩的電影中最引人注目的導演技巧就是“翻轉”，也被稱為鏡頭的轉動，在這種轉動中，鏡頭會把視野中的所有東西都翻轉過來。

雖然“翻轉”可以在多種情況下使用，但它的使用往往會引發觀眾的不確定性。同樣，他的一個鏡頭經常出現在電影裏，“讓角色從背後看東西”，就像《蝙蝠俠：黑暗騎士》和《敦刻爾克》裏都有這樣的鏡頭，這也是他製作電影的一個特色標誌。

從慢動作、360度鏡頭到大量使用特效，邁克爾·貝很喜歡展示震撼的大場面技術。在他史詩般的旋轉鏡頭中，鏡頭慢慢地圍繞着一個或多個角色，再到頻繁地描繪巨大的爆炸，這位天才導演大膽地展示他的風格。

邁克爾·貝的電影往往有一個相似的情節，通常都是“大”的東西，這是他許多動作片最具標誌性的特點。

斯派克·李無疑是21世紀最有影響力的導演之一。他的作品激勵了許多人，並塑造了電影史。由這位電影製作人推廣的雙重移動鏡頭，已經成為他的標誌性視覺特色。

而雙重移動鏡頭由一個安裝在沿着軌道移動的攝影車上的相機組成，這是一種用於創建穩定移動的鏡頭技術，雙重移動涉及移動攝影車與攝影車上的相機以及相機操作員設置。雖然浮動的構圖技術是李安電影重要組成部分，但充滿活力的色彩也幾乎出現在斯派克·李的每一部電影中。

韋斯·安德森是當今最 時尚 的導演之一。導演在創作許多美麗的電影時，不得不利用和諧與平衡的鏡頭——除了那些讓每個熱愛美學的人都傾心不已的鏡頭之外，幾乎每個鏡頭都存在着強迫性的對稱構圖。

除了導演通過統一和一致來營造出的組合風格，柔和的色調也是他每部電影的必備元素。而御用演員比爾·默裏之於韋斯·安德森就像邁克爾·凱恩之於克里斯托弗·諾蘭一樣。

憑藉獨特的鏡頭轉換，導演埃德加·賴特在加速一系列角色動作（最終導致場景轉換）方面是一位大師。雖然配樂也是他的標誌之一，但快節奏的剪輯和快速的鏡頭無疑是使埃德加·賴特脱穎而出的標誌性風格。

這種技巧經常被用於喜劇效果，比如他與編劇西蒙·佩吉的合作，包括惡搞殭屍的《殭屍肖恩》和科幻喜劇《世界盡頭》。

馬丁·斯科塞斯無疑是業內最受好評的電影人、製片人和編劇之一。雖然大多數影迷通常一看到斯科塞斯的電影就知道他是誰，但“長鏡頭”和“定格鏡頭”通常是他的電影特色。

在將觀眾帶入影片《好傢伙》裏的“科帕卡巴納夜總會”的3分鐘時間裏，導演使用了一個鏡頭，鏡頭隨着一個對象在場景中移動，在較長一段時間內在場景中移動，完美地展示了電影發生的虛構世界。他的定格畫面也是他令人難以置信的作品的一個標誌——它們旨在捕捉電影中的某個關鍵時刻，強調它是多麼短暫，並最終回到真實的情節。

著名導演弗朗西斯·科波拉的女兒本身就是一位技藝高超的導演。索菲亞·科波拉的電影中有很多反覆出現的主題，但人們首先想到的可能是人與人之間的聯繫。這位魅力非凡的電影人對講故事有着特別的偏愛，並慢慢建立起了自己獨特的風格。

既然索菲亞·科波拉導演的電影非常欣賞親密關係，那麼在觀眾看來，還有什麼比一個角色在重新思考他們所有的人生選擇時望着車窗外更憂鬱的呢？

達米恩·查澤雷的電影《爆裂鼓手》有一些影片最好的特寫鏡頭——雖然這種技巧可以讓演員與觀眾建立起強烈的 情感 聯繫，但它也很容易引起觀眾的不安情緒。達米恩·查澤雷熟練地做到了這一點。

在《愛樂之城》中，這位導演也運用了這種手法，將觀眾與米婭（艾瑪·斯通飾）和塞巴斯蒂安（瑞恩·高斯林飾） 令人心碎的戀情之間建立了強有力的聯繫。

弗朗西斯·福特·科波拉的人物評價

科波拉是美國60、70年代湧現出的一批傑出導演之一。（騰訊娛樂評） 為20世紀60年代至70年代的電影人點亮了一盞明燈，是電影界的領路先鋒。（喬治·盧卡斯評）

在藝術方面，科波拉別開天地另創一家；在商業上，他的作品獲得了觀眾和票房的雙重肯定。從《巴頓將軍》為他捧回第一座小金人開始，科波拉為電影史創立了一座又一座的豐碑。《教父》三部曲在百年影史的各種排名中始終名列前茅，成就了他“電影教父”的地位；《吸血驚情四百年》華麗得有如一出意大利歌劇，在此之前從沒有人敢把吸血鬼電影拍得如此奢華。（精品購物指南、新浪娛樂評評）

獲得三項奧斯卡獎的《1917》為什麼要用“一鏡到底”？

戰爭片對於電影來説，真是個奇特的類型。

導演們似乎非常喜歡在自己功成但名不就的時候拍一部戰爭片，讓自己最終拿到能證明自己的獎項。科波拉憑藉《現代啟示錄》拿到了金棕櫚，庫布裏克用《全金屬外殼》拿到了自己生命中的最後一次奧斯卡提名，斯皮爾伯格以《辛德勒的名單》、《拯救大兵瑞恩》獲得了到目前為止的兩座奧斯卡獎盃。

本次奧斯卡獎的大熱門《1917》，也是導薩姆·門德斯憑藉戰爭片首次斬獲奧斯卡獎。獲得三大技術獎項的《1917》，也代表了戰爭片未來的發展方向。

一、戰爭片最能凸顯導演們的藝術水準

對於戰爭片來説，它不僅可以擁有內涵豐富、直麪人性的故事，讓導演彰顯自己思想的深度，還能提供足夠的視覺場面來考驗導演的鏡頭和特效的佈置，這也許就是導演們紛紛藉此凸顯水準的原因。

相對於上世紀的幾部經典，近年來的戰爭片對於戰爭的宏觀反思在慢慢減少，對於戰爭的還原和個人故事在慢慢增多。一是不存在戰後不久、戰爭的淋漓傷口還在的藝術創作環境；二是隨着技術的發展，導演們可以更寫實地表現戰爭場面。 這種“浸入式”戰爭片，在慢慢成為這種類型片的主流 。

諾蘭的《敦刻爾克》便不同尋常地用時空切換、聲音、第一人稱手法來增強壓迫性與緊張性，增強觀眾對於電影的代入感。

而在今年的奧斯卡頒獎季，作為黑馬殺出的戰爭片《1917》，也獲得了極大的關注度，而這部電影則是提供了一種新的手法去表現戰爭的真實，這就是所謂的———一鏡到底。用長鏡頭，減少剪輯的方式來體現這一點。

一鏡到底的手法對導演的佈景，演員的演技都有極高的要求，在沒有蒙太奇變化的電影鏡頭中，這就意味着故事的發展只能單純靠攝像與導演的佈置來推進。在剛剛結束的奧斯卡頒獎季中，《1917》也理所當然的獲得了最佳攝影，最佳音響效果，最佳視覺效果這三大技術類大獎，足以證明這部電影對於戰爭片的深厚影響。

二、反類型 探索 者：薩姆·門德斯

全片一鏡到底這種獨特的風格，與這部電影的導演薩姆·門德斯、攝影羅傑·迪金斯都有密不可分的關係。

説起薩姆·門德斯，我們可能一時間想不起這位導演的作品，也對他了解不多。其實門德斯是好萊塢為數不多精通藝術與商業兩方面的電影導演。

畢業於劍橋的他深受傳統的英式戲劇影響，拍電影之前，門德斯擔任過倫敦和紐約百老匯的舞台劇導演，曾以音樂劇《卡巴萊》獲得美國戲劇界的最高榮譽“託尼獎”。

近年來，已經投身於電影的他依舊在監製一批優秀的莎翁 歷史 劇，譬如由抖森出演的《亨利四世》、《亨利五世》，而與此同時，他也指導了電影史上最長盛的商業動作電影系列——《007》系列。作為英國導演，能親自打造“007”是他的夢想，在他的作《美國麗人》中，就有不少對於“007”系列的致敬。

對於“007”系列，門德斯所做的最大貢獻是：讓這部屬於男性的動作電影注入了更多屬於戲劇般的人文氣息，從《007：天幕危機》到《007：幽靈黨》，這兩部電影裏的邦德都減弱了特工工作賦予他的冷酷，電影支線也不單單是美豔的邦女郎與他的感情之路，而是更多地充實了個人的背景，似乎還在幽靈黨中擁有了些許家庭化的氣息。

這種人文關懷在以往的邦德電影上是不多見的，這也是門德斯在脱離戲劇後，他自己指導電影的一個顯著風格——打破類型片去探討個人境遇。

於是，在《1917》上，我們看到了在整個一戰背景下兩位士兵的獨角戲。其實門德斯的這種思想在他早年拍攝的另一部戰爭片《鍋蓋頭》上面就初見端倪。

《鍋蓋頭》沒有像大部分戰爭片將戰爭場面的表現作為重頭戲，而是以戰爭的背景透過親歷者的身心感受來描寫戰爭的無意義。

和美國電影中“二戰”、“越戰”為背景的戰爭片的不同在於：影片注入了現代人對戰爭的態度，這場美國在新世紀發動的戰爭既不出於正義，也不出於愛國，只是成為發泄青春剩餘經歷的訓練場，影片描述的戰爭竟然沒有一個敵人真正出現過，所有的場景都由主人公——一位20歲的狙擊手的生活貫穿，和他的戰友訓練、沙漠中等待作戰任務，直到最後也沒成功地發射一顆子彈，殺一個“敵人”。

這就是一種反類型，與以往富有衝擊的戰爭片大不一樣。 但在《1917》上尋求新突破的門德斯絕對不會陷於故事表達，因為《鍋蓋頭》的反響並不是很好，就像我們前面所説的那樣，鏡頭語言對於戰爭片的影響是巨大的，就像《現代啟示錄》中科波拉賦予的藝術性的油畫色彩去渲染“啟示錄”的風格一樣。

《1917》選擇了不同以往地用長鏡頭去講述影片故事，而這對於攝影是個巨大的考驗。好在，這部電影的攝影師是大名鼎鼎的羅傑·狄金斯。

三、攝影大師：羅傑·狄金斯

就《1917》這部電影本身來看，擁有戲劇基礎的導演和高深功力的攝影是完全必要的。電影的劇情簡單到“兩位士兵穿梭戰地送情報”這一句話就可以説清楚的情況下，強大的技術支撐就顯得非常重要了。

為了達到沉浸式的戰場需求，從第一個鏡頭開始，當兩名年輕的英國士兵在樹下被喚醒，在電影剩下的兩個小時裏，門德斯和狄金斯跟蹤這些年輕人，在地堡和農舍裏連續不斷地挖戰壕，穿過敵方領土，用攝像機一直跟隨拍攝。

影片全程的跟蹤鏡頭，攝影機隨着主角圍繞和旋轉，機位景別隨着場景的切換，主角的走位變化着全景中景特寫，平拍俯拍仰拍，總之不管是拍攝距離還是角度，導演都試圖打破觀影的平面空間，給觀眾呈現出一個立體式的自由的戰爭空間。並且，影片的聲效和光效應用都相當出色，尤其在兩位士兵穿越幾乎無人的戰場線時營造的緊張聲音和兩人在塌陷的地洞中的燈光佈設都增強了體驗感。

所以，電影人看待這部 《1917》，算是在今年頒獎季最有藝術含量的片子了 ，對於普通觀眾來説，觀賞這部電影的最佳方式是去IMAX影院，畢竟你需要去感受這裏面畫面與音效帶給你的衝擊。

結合與《1917》有着類似風格的《敦刻爾克》來看，對戰爭的還原和對觀眾越來越真實的佈設將是未來戰爭片的一個方向，讓我們拭目以待。

科波拉的影路歷程

在剛剛被英國某雜誌評出“史上百位偉大導演”中，作為唯一一名上榜的女性，索菲亞·科波拉的經歷堪稱傳奇。

索菲亞·科波拉的“鳳凰三重奏”

英國權威電影雜誌《電影大全》近日評選出“史上百位偉大導演”，曾執導《迷失東京》、《絕代豔后》的索菲亞·科波拉成為唯一一名榜上有名的女導演。《電影大全》給她的評語非常獨特，“做演員她表現垃圾，但作為導演卻很有主見，她的作品能打破固有框框，展現出她勇敢、冷傲及愛幻想一面。”

這位出生於好萊塢名門世家，集模特兒、攝影師、設計師、演員、導演、編劇於一身的女人，雖然被人評價為“是個讓人又愛又恨的女人，她幾乎得到了一切她想要的東西”，但也曾經遭受唾罵被電影界遺棄，然而沉寂多年後，作為導演的她只用了三部大銀幕作品就讓無數之前不屑的眼神變成驚歎和讚賞。

盛名所累：她曾被電影遺棄

1971年5月，好萊塢的名門望族——科波拉家族喜添千金。科波拉家族在電影界的地位絕不亞於界的肯尼迪家族和布什家族，這位一出世就被家族光環籠罩，不用飛上枝頭已是鳳凰的女嬰，正是索菲亞·科波拉。

她的父親，家族掌門人是曾獲奧斯卡最佳導演，執導經典黑幫電影《教父》三部曲的導演弗朗西斯·福特·科波拉。而有這樣一位父親的好處就是，索菲亞還在襁褓之中就被作為“道具”帶上了銀幕，在《教父》結尾作為接受洗禮的小嬰兒出現，在無知無覺中便與觀眾打了個招呼。兩歲時，她再次出現在《教父Ⅱ》中，飾演了一個在輪船上玩耍的兒童。從小索菲亞就跟着拍片的父親奔波各地，“我在世界各地上學，就像一個隨軍的孩子。”在父親的安排下，8歲的索菲亞開始了她的“正式演出”生涯，相繼出演了老科波拉執導的《鬥魚》、《局外人》等多部影片和另外幾位導演執導的電影，頻繁在銀幕上曝光。家族名望無疑給索菲亞帶來很多機會和便利，但盛名之下的生活並不是一路凱歌。1990年，索菲亞18歲，堅持“上陣父女兵”的老科波拉在最後一刻用她替掉了由本已選定的薇諾娜·賴德在《教父Ⅲ》中出演的角色。這次的臨陣易將非但未給第一次擔綱主演的索菲亞帶來任何讚譽，由於演技稚嫩，觀眾對科波拉家族“理所應當”有好表現的觀念在索菲亞身上得不到迴應，影片公映後媒體和對其大肆討伐，人們嘲笑她的鷹鈎鼻，批評她不夠漂亮的臉孔，甚至在她飾演的角色被殺時影院觀眾齊聲歡呼。當“可恥的裙帶關係”，“一場令人發笑的表演，毫無前途可言”等刺耳的評論鋪天蓋地向索菲亞席捲而來，索菲亞遭遇了她人生第一個低沉期。

隨後在《星球大戰前傳Ⅰ》裏索菲亞的表演也被眾人嗤之以鼻。第二年3月，美國“金酸莓獎”頒給她最差女配角獎和最差新人獎。面對這樣的打擊，在演完電影《InsideMonkeyZetterland》之後，索菲便無奈退出了銀幕。

載譽而歸：她因導演而成功

事業受挫的索菲亞離開了好萊塢，但或許天生註定和電影有不解之緣，作為演員表現失敗的索菲亞將會以另一種身份迴歸電影界。

據説，在索菲亞還只有3歲時，有天老科波拉和太太突然在車上大吵起來，在吵得不可開交之際，索菲亞突然大喊一聲：“Cut！”從那一刻起，老科波拉就認定這個小女兒將來會成為導演，因為她已經知道如何掌握失控的現場。1998年，離開電影界快10年的索菲亞嘗試導演了一部僅長14分鐘的短片《LickTheStar》。雖然短片在威尼斯電影節上贏得了一些褒揚，索菲亞卻還沒有底氣説“我要成為一名導演”。

1999年是索菲亞人生的一個重要轉折點。她被小説《之死》吸引，那種對難以忘懷的青春期故事的描寫牢牢抓住了她。“我很想把它拍成電影，”索菲亞説，“它激發了我的創作。”索菲亞開始埋首創作，最終拿出的劇本好得令電影公司不惜棄用原稿，甚至請她親自執導該片。

這次索菲亞以導演身份重出江湖，耍出了一記漂亮的回馬。

在《之死》中，索菲亞細膩地營造了一種哀怨的懷舊格調，流露出的青春期少女的深邃憂傷震驚了世界。影片一上映，就受到近乎狂熱的歡迎。《之死》令索菲亞榮獲了“好萊塢最佳年輕導演獎”和“MTV電影製作最佳新人獎”兩項殊榮。在戛納電影節首映時，它被盛讚為“讓人為之一振的導演作，可以拿金攝影機獎的影片！”她通過自己的才華和努力，讓人們重新把目光聚焦於科波拉家族。索菲亞興奮地説：“第一次在如此聲名顯赫的家庭之外發出了自己的聲音，真令人興奮，這對我來説意義重大。

如果説《之死》讓索菲亞順利地在電影界立穩腳跟，那麼第二部作品則把她推到了舞台的中心。2003年，由索菲亞再次編劇、導演，投資僅400萬美元且只有了27天就拍攝完成的《迷失東京》使她再次成為焦點。索菲亞坦言自己是王家衞迷，該片的創作靈感來源於王家衞的《花樣年華》。影片講述了兩個陌生美國男女在東京相遇的故事，索菲亞精妙到位的拿捏使影片流淌出不可抵禦的憂傷和迷離卻又不失温情脈脈。《迷失東京》成為當年最受矚目的電影之一，獲獎無數。其中包括威尼斯電影節最受歡迎影片獎、金球獎最佳電影劇本獎，囊括美國“精神獎”最佳影片、最佳導演、最佳電影劇本和最佳男主角四項大獎，同時獲得第76屆奧斯卡金像獎4項提名並最終拿下最佳原創劇本獎。索菲亞因此成為第一個獲得奧斯卡最佳導演提名的美國女導演。

2006年，索菲亞大膽地把法國國王路易十六的皇后瑪麗·安託瓦內特搬上銀幕。號稱每次拍攝都需四小時的造型，被稱為索菲亞“最野心勃勃的影片”的《絕代豔后》，在第79屆奧斯卡頒獎典禮中，摘得“最佳服裝設計獎”桂冠。

作為一個只拍過三部電影的導演，在英國電影雜誌《電影大全》近日“史上百位偉大導演”評選中，索菲亞赫然上榜，且成為唯一一位被選中的女導演。

索菲亞效應：時尚界的“繆斯女神”

在那段離開好萊塢的時間裏，索菲亞對時裝和攝影產生了濃厚興趣。天意從來就偏袒這位天之驕女，她一直是時尚界炙手可熱的寵兒。她所引領的潮流指標更被譽為“索菲亞效應”而風靡歐美，不斷獲得國際時尚媒體的讚譽。獨特的衣着品位和設計風格令她在時尚圈裏大放異彩，索菲亞還曾被美國時尚雜誌《名利場》授予年度十佳衣着獎。

早在加州藝術學院上學的時候，身材高挑的索菲亞被著名時裝大師朗格·斐邀請當“香奈兒”的代言人。除了在T形台上散發魅力之外，索菲亞更渴望成為一名藝術家，天資聰穎的她不斷嘗試每個藝術領域，曾淺嘗繪畫與攝影，另外還隨設計師卡爾拉格福德學習服裝設計。後來索菲亞加入服裝品牌X－Large成為其合夥人，激發起索菲亞創業的勁頭。經過一番努力，屬於索菲亞的休閒時裝品牌“MilkFed”終於誕生。1997年，MilkFed獲時尚雜誌評選的最佳時裝品牌之一。

此外，她還身兼法國名牌LV設計總監馬克·雅格布的潮流顧問，馬克的個人品牌時裝每季都以索菲亞為潮流指標。還將一款手提包命名為“Sofiabag”，這款紅色的豪華鱷魚皮手提包售價更是高達近7000美元，被列為馬克·雅格佈設計的十大手提包之一。

之後索菲亞又把精力轉移到攝影跟視覺設計。她專為《時尚》、《》、《細節》等雜誌拍照，這為她後來在電影裏定位獨特的視覺風格奠定了基礎。

美國電影《絕代豔后》裏的服飾是哪個年代的？什麼風格的？

絕代豔后》

奧斯卡拉動今夏復古風

本屆奧斯卡打敗《滿城盡帶黃金甲》而獲得最佳服裝設計獎的《絕代豔后》，是現在歐美最熱的時尚話題。今年很多的服裝秀都脱不開這部影片的影子。

著名導演索菲亞·科波拉這次的服裝設計簡直可以用美輪美奐來形容，片中四處流轉着路易十六宮廷裏奢靡到極致的繁複之美。一會兒是以粉紅底子小碎花點綴的十六世紀鐘形篷裙，一會兒是像極了chanel的緊身對襟上衣，一會兒出現一頂俏皮的粉紅羽毛小帽子。

美國權威的《時尚》也不禁對這樣的服裝發出讚歎，去年9月號他們以女主角克里斯滕·鄧斯特在片中造型為封面，花費了20頁的內頁細數其中的時尚元素，完全肯定了影片中所流露的復古情懷。

而今年最新的春夏發佈會上，各大服裝品牌，LV、GUCCI等都加入了十六世紀歐洲的元素，繁雜的花邊裙，豔麗的彩粧，高達十釐米鑲着金鑽的高跟鞋。

所謂真正的哥特風...

哥特(Gothic)這個特定的詞彙原先的意思是西歐的日耳曼部族。在18世紀到19世紀的建築文化與書寫層面，所謂“哥特復興”（Gothic Revival）將中古世紀的陰暗情調從歷史脈絡的墓穴中挖掘出來。

【哥特文學流派】

從18世紀末以來的一些文學作品，因為具有共同的基調與文體而被歸類於“哥特小説”。例如：華爾普（Walpole）的《奧特朗托城堡》（The Castle of Otranto）、安·拉得克里夫（Ann Radcliff）的《奧多芙的神祕》（The Mysteries of Udolpho）、路易斯（Lewis）的《僧侶》（The Monk），當然還有瑪麗·雪萊（Mary Shelley）的《科學怪人》（Frankenstein）。這些作品戮力於處理殘酷的與超自然的恐怖主題，而小説的背景通常建構於荒涼的古堡或者幽深的修道院，主角（通常是稚嫩的少男少女）身陷於無以擺脱的魔欲，和（通常是陽性的）施虐者展開一段以死亡為終結的際遇……在這些小説中包含的情慾/性別（sexual/gender）的關係，古怪地糾纏於神聖與魔鬼的角力；極度的來自於破滅（也就是儀式的“完成”）的那一刻。象徵父權的宗教系統與企圖超越的的黑暗（陰性）力量，在某種不可明説的層面，其實隱諱而酷異地分享著“愛慾交配死亡”的快感模式。在當代的恐怖小説陣營中，象安妮·萊斯（Anne Rice）的作品《吸血鬼紀事》（The Vampire Chronicles）就流露出男情慾與父性機制的複雜互動。

這一時期許多哥特式小説家不斷湧現，不僅哥特文學是對人類自身黑色陰暗面的展示，也是對當時社會正統思維模式的一種挑戰，是一種恐怖，神祕色彩的混合體。哥特小説中比較典型的角色是吸血鬼，例如布來恩·斯托克的《德古拉伯爵》（Dracula），還有埃德加·艾倫（Edgar Allan）詩集中的描寫。斯托克筆下對吸血鬼化身的描述同以往比較走入了對立的角度。（當代作家安妮·萊斯（Anne Rice）的《夜訪吸血鬼》（Interview with the Vampire）和布萊特（Poppy Z. Brite）的《勾魂時分》（Lost Souls）等作品也是斯托克式的延續。)到了20世紀的70年代，朋克作為一種亞文化侵入了主流文化的領域。原始的朋克來自於暴力和強大的。而原名為“華沙”（Warsaw）的“快樂”（Joy Division）的出現，無疑將這場充滿了破壞和無主義的朋克運動帶進了後朋克（Post-Punk）時代。

不過以上只是一種類型,歷史上還有許多更好的作品,

【哥特音樂流派】

早期的後朋克對於生命的詮釋往往飽含着沮喪與絕望。例如快樂（Joy Division）的主音歌手伊恩·柯蒂斯（Ian Curtis）於80年的自縊身亡。那些耗損生命而成的音符，成就了快樂（JoyDivision）的不朽經典，見證着整個低調文化。他那套灰暗而孤離的人生觀，隱藏着陰鬱的遺傳因子，將整個後朋克文化盡染成深灰與暗黑。八十年代，在迂落的音樂裏構築了一個悲觀的年代，至少在英倫及歐陸地下文化的層面上來説如此。在當時的音樂圈裏，趁勢湧出一大批黑暗病態、風格邪異的樂隊，他們的音樂源自於無盡的壓抑，以及對生命的詛咒。如教會（The Mission），所有的夏娃（All about Eve）、列伏林之地（Fields of the Nephilem）、祭儀（The Cult）等等。這些被視為絕望、邪氣、頹廢的樂隊/樂手，從朋克那種過激的破壞意識，反方向潛逃往一個內斂而黑暗的世界——這就是那個佔據了搖滾樂大半個八十年代的低調音樂時空。哥特搖滾在英國地下音樂圈的形態與演進，正猶如一派邪教降臨大地時伸出巨魔的手掌。它通過難以想象、天馬行空的邪異素材來悦納聽眾，這就不僅包括了在音樂領域聖靈齊放的空前創造力，也包括了在視覺造型上，所給予人們的前所未有的刺激視覺體驗。中性化的身份造型，濃粧豔抹的打扮，這些並非新浪漫一族的專利。哥特彷彿是新浪漫的個性相反的孿生兄弟，是華美豔麗背後黑暗病態的一面。現在讓我們去了解一下哥特音樂的改良風格和其他相關樂派.產生於比利時的EBM(Electronic Body Music)是一種電子化陰冷黑色的音樂。受德國Krautrock運動中Kraftwerk之類電子樂隊的影響下產生的。

説到現在我們還沒有談到德國，那裏可是現在哥特音樂的重鎮。許多德國的樂隊被慣以DARKWAVE的音樂標籤。Project Pitchfork樂隊是德國最早涉及到哥特音樂領域內，雖然他們的樂風有所改變，但一直算是一支流行化的組合。首張專輯《Dhyani》亦為經典，有典型的黑色音樂和評論性的歌詞組成。Deine Lakaien樂隊的成員有着深厚的音樂基礎，他們做出了象“Love me to the end”這樣的浪漫主義歌曲。作品帶有着某種程度的中世紀感覺。德國很大一部分組合演唱時保持着自己的母語，例如Goethes Erben，樂隊的名字也就説明了一切。他們的前三張專輯就象是三部曲,各自又相互關聯。而Lacrimosa，Tilo Wolf這些樂隊通過添加金屬樂的元素不斷的對音樂的表現手法做出嘗試。當然我們必須要知道Das Ich這個組合，他們的經典專輯是《Die Propheten》，專輯中的歌曲機構複雜歌詞充滿着智慧化。陰暗電子樂派代表團體Calvay Nada用德語和西班牙語交錯演唱，他們最有特點的是主唱Brenal的低音，而歌詞方面多涉及，社會之類的話題，從這方面看這支樂隊在哥特音樂王國中顯得與眾不同。

當然許多樂隊的風格是非常難以界定的，象意大利的Take Kirlian Camera，20年來樂隊風格年年都有變化。而法國的情慾主義陰暗電子樂隊Die FORM的音樂主題多涉及S/M（性），他們每一部作品多給我們帶來新的驚奇。另一支來自法國的樂隊Collectiond 'Arnell Andrea的鋼琴聲非常有特點，成為自己的獨特的標誌。善於創作管絃樂的In the Nursery樂隊的作品非常適合作為電影中的陪樂。在北歐的瑞典，Cold Meat Instry這個廠牌通過多年的努力推出了很多獨一無二的音樂作品。旗下的樂隊風格多樣，如血腥派實驗樂隊Brighter Death Now和Deutsch Nepal，氛圍音樂組合Raisond 'Etre，新古典主義的The Protagonist，天音組合Arcana等。説到天音如果想更好的瞭解建議去聽一聽like Love is Colder than Death,Black Tape for a Blue Girl，Stoa這些代表樂隊。

而在哥特音樂的文本中，我們可以細味到一些涉及宗教、、死亡、絕望、以至匪夷所思的虛無論語句，這些都是哥特音樂不可或缺的一環，Gothic Rock，這覆蓋在影像模糊、虛無飄渺的外在軀殼之下的音樂，一切都是那麼神祕。哥特搖滾的風格，可説是繼承自Joy Division的遺傳，尤其是那種把貝司提升至主奏位置的癖好，直至今日的後哥特朝代仍無法完全擺脱。那些抑壓着低沉聲線或扭曲的人聲，沉重如鬱結般的貝司，迷幻的吉它聲，充滿控訴力的鼓擊，偶爾發出鬼哭神號般的嘶叫，如同石磨般沉重或是狂野得分崩離析的曲式，還有一張張Rock Music蒼白的面孔∶當你對生命感到茫然無助時，你會想到在它背後究竟隱藏着什麼嗎？是心靈的孤立無援？是死亡陰影的籠罩？還是人世間的悲劇？Gothic Rock，是建築於無意識的抽象表達而多於刻意性的音樂行為。如同面臨一季暗晦的寒冬氣候，我們被哥特文化侵佔，在非人化的後工業現代社會裏面，追逐着一種活着死亡的體驗。同樣存在着Barry的音樂先覺，除一貫本色的Rock Music在那個悲觀的八十年代裏，Gothic這種棲身於主流文化的陰影裏的次文化，其影響力早已越過音樂的界限，成為一種生活方式，一種生活的態度，一個哥特信徒所追求的黑色國度。度過模糊的九十年代，下個世紀今天的哥特搖滾已被解構得支離破碎、殘缺不全，The Sisters Of Mercy，The Mission這些昔日的哥特守護神也早已離棄了他們的信徒。但是在今日的陰暗樂派(Dark-Wave)運動中，在死亡民謠(Death Folk)、後工業噪音(Post-Instrial)、陰暗氛圍音樂(Dark Ambient)以至新古典(Neo-Classical)這些形式主義的風格外殼之下，我們仍然欣喜地發現Gothic依然是這些地下文化中最具生命力和影響力的遺傳基因。在這場突破和沖決了情慾與性別的中，歌德次文化追求所謂的理想典範“陰陽同體”（hermaphrodite）成為了砸碎禁錮的美麗武器。看吧，以往被視為妖魔的異類勇敢地擺脱了蒼白的天堂，絞碎天使的面孔，抵達永遠無情的。

在20世紀的後半期侵入非主流音樂的大花園，成為另類音樂中極為殊異的一個支脈。如果你熟悉新音樂歷史脈絡的話，就會知道大約從70年代末到80年代，一些樂隊分別頂著“後酷朋克（Post Punk Cool）”、“新古典（Neo-Classical）”或者是“新嬉皮（Neo-Hippies）”的招牌，並逐漸混融成日後的哥特搖滾樂派。

不可否認，“死亡”在哥特搖滾樂的文化層面中，幾乎是個關鍵字。當某些保守的聲音或反挫勢力，企圖以這一點來抨擊哥特搖滾樂與其次文化，我們可以看到兩種迴應：如“徒之死”（Christian Death）這個經營黑暗、痛苦情愫的樂隊，對他們而言，死亡所演繹/延異出來的、末世、毀滅等等情境，都足以讓我們近“終極”（ultimateorgasm）。在一些專輯如《痛苦劇場》（Only Theater of Pain）、《天使的狂怒》（The Rage of Angels）、《鐵面具》（The Iron Mask）中，“徒之死”悉心探索的重心就是這種近乎臨界點的痙攣之美。在其中一首歌曲“死欲”（Death Wish），結尾的歌詞近乎狂喜地陳述“撒旦魔王是最仁慈的野獸”，配合淒厲的音樂，不啻狠狠地嘲弄了宗教/父權體系粗暴地規範在各種事物之上的二元對立價值觀。

另一種反應，也許可以引述布萊特（Poppy Z.Brite）在吸血鬼小説選集《血脈深處的愛》（Love in Vein）前言中所説的話：“哥特次文化”（Gothic subculture）並不是禮讚或者愛慕死亡，只是純粹地拒絕畏懼它。在探索死亡的過程，慢慢地和它體膚與共，逐漸與它親近。”這段話正好解釋為什麼像“涅浮林之域”、“還有這些樹”（And Also the Trees）、“意志”（Will）、“利姬雅”（Lycia）、“The Morendoes”等樂隊，會不可自拔地沉浸於“與死去的君王交歡”的髑髏式意象（macabreimage），同時又在這般異端的情慾裏浮生出細緻的張力。此外，死亡不必然是生命的匱乏，順着這些創作者的脈絡、以及在許多異教神話或惡魔學發現的象徵與寓言，死亡可能是貼近超自然、非人類領域的出口。

在此際90年代的中後期，哥特次文化不但在文學與音樂創作層面綻放，更影響了這個“混雜族羣”（包括女性、酷兒、情慾的邊陲份子）的文化生態與身份認同。在情慾與性別的，哥特次文化追求所謂的理想典範“陰陽同體”（hermaphrodite）雖然還值得更進一步檢驗，但也是有助於衝迫禁制的美麗武器讓過往被視為妖魔的異類（它者）擺脱單一的天堂，品味自身的與天使的屍體。

如何識別哥特(樂隊、哥特族、風格、建築)

如何識別一支哥特樂隊？

1、此樂隊的音樂氣氛怪誕且超現實。

2、此樂隊的歌詞包含哥特主題。

3、樂隊成員的外表十分哥特化，一水兒黑。

4、樂隊自稱哥特樂隊，和其他哥特樂隊一起演出，並出現在哥特合輯當中。

5、來自於四大哥特唱片公司Cleopatra、Projekt、Tess、Anubis的樂隊。

如何識別一個哥特族？

性格：害羞且不愛交際。

藝術傾向：藝術，特別是音樂、攝影和繪畫。人文，特別是文學、歷史和哲學。

着裝：永遠的黑色或暗色衣服。顯眼的宗教飾物，但卻幾乎天天改變信仰，永遠不戴金首飾。

什麼是哥特風格？

音樂上：darkwave、gotht-echno、dark-alternative、ambiente之類的名詞都是“哥特風格”。

再具體形容：黑暗的恐懼、死亡的悲傷、禁忌的愛、徹底的痛苦帶來的美感，簡而言之，人類精神世界中的黑暗面。

那麼，若是哥特與音樂的聯姻，則任意地寫作了GothicRock。哥特音樂在字典中又做出了另一種解釋：熱烈的混合了各種樂器，秉持着悲觀絕望的終極價值觀，透露出啟示錄般神祕虛空的歌詞。在1800年左右的浪漫主義運動中（ROMANTICMOVEMENT），中世紀文化逐漸極其相關事物在某些人眼中逐漸成為一種時尚。浪漫主義成為這場文化運動的中心。浪漫主義者希望跳出歷史的限定，有些人希望回到中世紀時代，有些人從宗教或神祕主義中尋求理想，還有些人試圖從自然中得到答案。他們用自己不同的方式來達到自己的目標。在整個浪漫主義運動中哥特開始被認為和黑暗，奇異，鬼魅等相關連，浪漫主義和哥特作家象Byron,Shelley,Baudelaire還有Verlaine沉迷於對人類陰暗面的表現。哥特情緒在視覺藝術上也有明顯的體現，畫家象CasparDavidFriedrich對黑暗和荒涼的展現。

哥特音樂往往取材於挖掘和放大的人類感情世界，並在創作的過程中提升了這種自發的感性體驗，所以當它再作用於受眾（借用新聞學的概念，指接受羣體）時，常會引發進一步的審美感情和思考空間。如果一種音樂引發的不只是藝術上的欣賞,同時還上升到哲學上的反思,以至影響到個人的信念和價值體系的改變，甚至到對生命本原及終極意義的質疑,那麼它的控制力就無法言喻了。

正是籍由以上原因，我產生了把哥特音樂歸於一種宗教的想法。 當然我的意思並非指哥特音樂的核心是宣揚宗教。事實上它並不比其它的音樂形式更具宗教性，至少大多數樂隊的創作目的並不是為了傳播某種宗教信仰，甚至有些極端的樂隊旗幟鮮明地宣揚反宗教。我在這裏所談論的宗教不是指教、天主教或東正教等具體的實體，而是一種廣義上的概念。

【哥特式建築】

哥特式建築是11世紀下半葉起源於法國，13～15世紀流行於歐洲的一種建築風格。主要見於天主教堂，也影響到世俗建築。哥特式建築以其高超的技術和藝術成就，在建築史上佔有重要地位。

哥特式教堂的結構體系由石頭的骨架券和飛扶壁組成。其基本單元是在一個正方形或矩形平面四角的柱子上做雙圓心骨架尖券，四邊和對角線上各一道，屋面石板架在券上，形成拱頂。採用這種方式，可以在不同跨度上作出矢高相同的券，拱頂重量輕，交線分明，減少了券腳的推力，簡化了施工。

飛扶壁由側廳外面的柱墩發券，平衡中廳拱腳的側推力。為了增加穩定性，常在柱墩上砌尖塔。由於採用了尖券、尖拱和飛扶壁，哥特式教堂的內部空間高曠、單純、統一。裝飾細部如華蓋、壁龕等也都用尖券作主題，建築風格與結構手法形成一個有機的整體。

【歐洲各國的經典哥特式建築】

德國最早的哥特式教堂之一科隆主教堂於1248年興工，由建造過亞眠主教堂的法國人設計，有法國盛期的哥特式教堂的風格，歌壇和聖殿同亞眠教堂的相似。它的中廳內部高達46米，僅次於法國博韋主教堂。西面雙塔高152米，極為壯觀。

德國教堂很早就形成自己的形制和特點，它的中廳和側廳高度相同，既無高側窗，也無飛扶壁，完全靠側廳外牆瘦高的窗户採光。拱頂上面再加一層整體的陡坡屋面，內部是一個多柱大廳。馬爾堡的聖伊麗莎白教堂西邊有兩座高塔，外觀比較素雅，是這種教堂的代表。

德國還有一種只在教堂正面建一座很高鐘塔的哥特式教堂。著名的例子是烏爾姆主教堂。它的鐘塔高達161米，控制着整個建築構圖，可謂中世紀教堂建築中的奇觀。磚造教堂在北歐很流行，德國北部也有不少磚造的哥特式教堂。

15世紀以後，德國的石作技巧達到了高峯。石雕窗櫺刀法純熟，精緻華美。有時兩層圖案不同的石刻窗花重疊在一起，玲瓏剔透。建築內部的裝飾小品，也不乏精美的傑作。

德國哥特建築時期的世俗建築多用磚石建造。雙坡屋頂很陡，內有閣樓，甚至是多層閣樓，屋面和山牆上開着一層層窗户，牆上常挑出輕巧的木窗、陽台或壁龕，外觀很富特色。

【哥特着裝】

任何黑色的東西，或其它暗色，如海軍藍、深紅。可以透(薄尼龍或漁網狀面料)，但不露。銀飾。蒼白的皮膚。這可能是因為他們需要一種活死人的外表，也可能是因為想體現維多利亞時代關於“蒼白的皮膚是貴族的標誌”這一審美，也可能是反對沙灘文化裏“太陽曬出的古銅色才是美的”健康理論。

黑髮、漂白過的極淺的金髮、紅髮或紫發。黑白化粧。白色粉底。黑脣膏，黑眼影，細眉。

自我束縛的裝飾和戀物癖的服裝。皮革、PVC、橡膠、乳膠都是必不可少的面料。中世紀的束腰也極為常見。寬領帶或逞釘子的項圈或緊緊繫在脖子上的絲絨繩。

T形十字章(古埃及關於永恆生命的標誌)。五角星。這是異教徒關於火、土地、空氣、水、靈魂的符號。十字架(教的象徵)。

歌劇風格的披肩、斗篷和長手套。哥特族們一般不會像朋克們那麼極端，他們會講些品位。

【哥特電影】

在整個80年代，值得一提的哥特電影得算1983年好萊塢出品的《》。這部由託尼·斯科特導演、凱瑟琳·德納芙和蘇珊·薩蘭登主演的影片同樣以吸血鬼為題材，但在這部影片中，吸血鬼角色不再是男性的專利，而是把女性吸血鬼作為了主角。當然在此前的影片中，也出現過女性吸血鬼，但都沒有什麼太大的影響。而這部影片則徹底突破了吸血鬼的既有形象，為我們塑造了一個優雅、迷人而又危險的女性吸血鬼的標準形象，也成為後來者模仿的標版，在此後的影片中所出現的女性吸血鬼角色，大多離不開《》中所塑造的那個模式。

直到上個世紀90年代，哥特電影才真正迎來了發展的黃金時期。在這個時期，哥特電影不僅在歐美，更在全世界掀起了一浪接一浪的。1990年，一個名叫蒂姆·波頓的導演找到了一個名叫強尼·戴普的演員，聯袂為我們貢獻了一部名為《剪刀手愛德華》的影片——自此，哥特電影復興的大幕在好萊塢被徹底掀開了。作為一部當代里程碑式的哥特電影，《剪刀手愛德華》的意義是怎麼評價也不為過的。這部影片沒有吸血鬼，沒有巫術，也沒有宗教背景，但同樣編織出了一個黑色的、講述孤獨、死亡和痛苦的精彩的哥特畫卷……天才的蒂姆·波頓把古老的哥特文化和當下的時代背景天衣無縫的融合在了一起，給哥特題材注入了全新的生命力，從而在根本上拓展了哥特電影的題材範圍。蒂姆·波頓也藉此逐漸成為當代最偉大的哥特電影大師，他和強尼·戴普這一對黃金搭檔也配合得天衣無縫。1999年的《斷頭谷》就是二人再次合作的結晶，這一次波頓開始出人意料的直接以巫術為題材，為我們描述出世紀末一曲悽婉、仇怨、令人回味無窮的哥特哀歌。

《剪刀手愛德華》的成功堅定了好萊塢製片人們投資哥特電影的決心。1992年，大名鼎鼎的德庫拉伯爵終於再一次粉墨登場了。這一回，掌鏡的是好萊塢“教父”級導演科波拉。科波拉網羅了一大批好萊塢明星，大手筆的給我們講述了一個橫亙數世紀的愛情故事，這就是電影《驚情四百年》。《驚情四百年》以好萊塢的方法徹底重構了德庫拉伯爵的故事，從而給流傳了幾百年的德庫拉傳説賦予了全新的意義。影片大氣恢弘，特技眼花繚亂，加上好萊塢的宣傳攻勢，很快席捲了全球的電影市場。

90年代初的哥特電影浪潮並不僅止於此，越來越多的電影人都開始對哥特題材感興趣。1994年，愛爾蘭導演尼爾·喬丹振臂一呼，好萊塢三大帥哥便齊集麾下，為我們集體奉獻了另一部堪稱史詩的偉大哥特電影——《夜訪吸血鬼》。對一般影迷來説，《夜訪吸血鬼》最大的看點恐怕在於湯姆·克魯斯、布拉德·皮特和安東尼奧·班德拉斯的聯袂演出了，但影片本身並不遜色，絕對可以稱得上是吸血鬼題材的集大成者了。影片的時間跨度達數百年之久，而且地域也橫跨歐美兩大洲，向我們全景式的展現了一個與人類社會並存的吸血鬼世界，並別出心裁的以吸血鬼的視角描述出了它們自己的心路歷程。《夜訪吸血鬼》是如此的成功，以致於我們甚至可以斷言，吸血鬼的故事就此可以畫上一個句號了，在此後20、30年乃至更長的時間裏，也不會有超過他們的同類型電影了。

在吸血鬼電影大獲成功的同時，另一部名為《烏鴉》的電影闖入了哥特影迷們的視野。相對於好萊塢主流大製作而言，《烏鴉》顯得更、更另類、也更cult一些。這是一個有關靈魂轉世和復仇的愛倫·坡式的哥特故事，詭異的巫術氣質貫穿全片，影片的攝影、化粧等等細節也無一不滲透出哥特的氛圍，例如自始至終的陰暗場景，例如演員臉上塗抹的白色油彩……《烏鴉》對哥特文化淋漓盡致的詮釋甚至為它贏得了“哥特教科書”的美譽，對一個死忠的哥特影迷來説，只有《烏鴉》是最哥特的，也只有《烏鴉》足夠哥特。當然，《烏鴉》的成功也使其續集的拍攝很快提上了議事日程，但它的三部續集只有1996年的《烏鴉2：天使之城》算得上是成功的，後面兩部《烏鴉3: 鴉魔戰士》和《烏鴉4: 祈禱》就能説是差強人意，一部不如一部了。

對哥特電影來説，1994年確實是值得紀念的一年。除了《夜訪吸血鬼》和《烏鴉》以外，另一部哥特電影《人狼生死戀》也是在這一年首登大銀幕。本片是關於哥特題材中另一個經典形象——“人狼”的抗鼎之作。在影響力和藝術成就兩方面，《人狼生死戀》都超越了以往所有同類題材的影片，可以説，是《人狼生死戀》的成功使人狼的形象真正成為人類電影藝術長廊中的一個典型形象——不過很顯然，相較於它的另一位“哥特兄弟”吸血鬼來説，人狼在電影世界裏的成功的確是有些姍姍來遲了。

除了好萊塢，1994年的意大利電影《魔誡墳場》同樣是哥特電影的傑出代表。這部影片在哥特文化中融入了意大利人所特有的幽默感，令人耳目一新。

時至今日，史詩性的哥特電影浪潮已經過去，但哥特電影的題材越來越廣泛，同時，哥特電影也開始向傳統的類型片靠攏，逐漸融合了其它傳統類型片的特點，使得觀眾們接受起來更加容易。2003年的美國影片《吸血鬼女王》就是個中代表。這是一部以經典吸血鬼題材為主題的電影，但在這部影片中，融合進了街頭文化、黑人文化的特色，吸血鬼也擺脱了以往白人男性貴族的身份設置，而是以黑人女性的面貌示人。全片節奏明快，音樂強勁，可以説，這是一個黑人街頭版的吸血鬼故事。此外，2003年的《黑夜傳説》和2004年的《範·海辛》則反映了哥特電影的最新發展趨勢。這兩部影片都結合了好萊塢慣用的動作片特點，極盡動作、打鬥之能事，如果去掉其中的哥特背景，則是不折不扣的動作片。而且，兩部影片都以哥特文化中最經典的兩大傳統形象——吸血鬼和人狼為主角，在銀幕上讓二者大打出手。《黑夜傳説》講述了人狼和吸血鬼相愛的哥特版的羅密歐與朱麗葉的故事，《範·海辛》則以傳統的德庫拉故事為母題，把其中的吸血鬼剋星範·海辛博士直接變成了人狼，倒也別有一番趣味。

【哥特存在的理由】

無數個劇黑的夜晚，月光冷冷地包圍着一切。空中劃過鋭利的線條，像是發掘世界最深的罪惡。生命緊緊地依附着死亡，渲染着黑暗和絕望。Gothic（哥特）的命名是從德國的“Goth”部落由來的，Goth人入侵了意大利並推翻了羅馬帝國。在15世紀，人們普遍帶有着文藝復興的觀念，希望回到古典時代。介於古典時代和文藝復興時期的這段時間被稱為中世紀。因為意大利記恨Goth人毀掉了他們的羅馬帝國，文藝復興時期的人們始終對中世紀帶有着否定的術語，他們稱這一時期為“Gothic”。意味着野蠻和粗野。當然我們要看到事物的雙面性，中世紀給世人留下了很多寶貴的文化遺產和傑出的藝術作品。這時期的建築技術上有了突破式的改進，產生了像NOTRE-PAME這樣的哥特式大教堂。哥特式的藝術不僅僅體現在建築上，從12世紀到16世紀的早期，雕刻，玻璃製品，裝飾物等都貼上了哥特藝術的標籤。宗教在哥特藝術作品中起到了很重要的因素。畫家，雕刻家們比起用現實主義的方法表現主題更多的運用宗教的感覺。不管怎麼説，文藝復興時期的人們很顯然對“Gothic”這個詞彙是含蓄的否定。

哥特不是宗教、不是、與種族、性別也無關。大多數哥特樂隊都是非宗教的甚至是積極的反宗教樂隊。那些吸血鬼、天主教、古埃及和異教的視覺信號只是在傳達“黑暗的力量”，以聯繫至哥特音樂的感覺。

哥特族們與其他同年齡的社會團體一樣同樣存在社會傾向，你會發現哥特族中最大的傾向實際上是對的極度冷漠，因為幾乎所有黨派的觀點聽起來都是一樣的，而且毫無用處。

很多人被一種毫無快樂和成就感的生活所主宰，這很不幸。但是哥特使這種消沉的感覺成為了生活方式的一種，換句話説：痛苦就是我的生活選擇——這是一種藝術。

哥特同時也許還是一種精神療法。如果你對一個屬於主流社會的白領仔細談起你上次自殺未遂的經過，那麼他可能會帶着一種奇異的眼光躲你躲得遠遠的，在陽光燦爛的日子裏你或許還可以得到廉價的同伴永遠不會為你感到難過，你手腕上的傷痕會得到認真的尊重，“你很酷！”所有感到與社會格格不入的人都會在哥特族中找到自己的位置，因為這裏的每一個人都是獨一無二的。

後歌特時代是由上世紀80年代的PUNK的一條分支，

後來又分別和民謠，工業，結合，產生硬核，死金，黑金。

比較主流的歌特樂隊有污穢搖籃，NIGHTWISH，KINGDONW,還有SOPORXX......

簡述哥特式藝術特點和成就

最初哥特是做為德國古民族的一支的稱謂而被世人所記住的，他們曾經打敗併入侵過羅馬帝國，並最終使其崩潰。而15世紀在意大利掀起的文藝復興運動中的藝術家們將古希臘古羅馬文明結束至文藝復興運動開始這其中由教會勢力統治的漫長歲月稱之為“黑暗的中世紀”（Dark Middle Age），並將這段時期中所產生的藝術形式統統歸為哥特藝術。自然，從當時那些文藝復興藝術家們的本意看來，哥特這個詞最初絕不是什麼讚揚或崇敬(因為意大利人記恨哥特族毀掉了他們的羅馬帝國)。它意味着粗野、不開化。事實上，從現代角度來看，中世紀藝術並不象當初他們所形容的那樣一無是處。相反，很多相當有造詣的作品保留了下來並影響着後世。例如哥特式建築、雕刻、玻璃器皿、燈式、裝飾畫等等。在這些哥特藝術當中，宗教題材扮演着極其重要的角色。

18世紀末19世紀初歐洲開始的浪漫主義文化運動使得哥特和中世紀再一次被當時的文化界所關注，浪漫主義崇尚個性解放，情感，自由。是對西方近代唯理主義、物質主義思潮的一次反動。是人性對工業文明的反抗。具有反傳統和非理性色彩，其中審“醜”第一次做為美學概念出現在大眾面前。他們用各種手段創造着自己的藝術，其中宗教、超自然、中世紀題材頻頻出現，而哥特做為一種形而上的醒目、黑暗、奇異符號被浪漫主義藝術賦予了新的內涵。其中頹廢派作家Byron（拜倫）、Shelley（雪萊）、Baudelaire和 Verlaine對人類的陰暗面都非常感興趣。性困擾則成為了浪漫主義文學所關注的另一個重要主題，背德的和罪孽，付之行動後的苦惱與喜悦每每被作者和讀者玩味不休。在視覺藝術領域，諸多浪漫派畫家（如Caspar David Friedrich）非常偏愛哥特題材，那些荒蕪、蕭瑟、黑暗的景象被浮現於畫布當中。建築領域新哥特風格的教堂再一次成為了時尚。在這些藝術領域藝術作品中，哥特小説應該被着重介紹給大家。此類通俗小説在18世紀相當時髦，書中描繪了大量荒誕不經的奇談怪論和黑暗歷險故事，融合恐怖、神祕、元素。艾倫坡的“烏鴉” Bram Stoker的“吸血伯爵Dracula”，瑪莉雪萊的“佛蘭肯斯坦”都是其中的名著，特別是Stoker開創的吸血鬼文化可謂歷久不衰，在當今時代都能吸引到無數的追隨者和愛好者。例如創作出“夜訪吸血鬼”等新哥特小説的當代作家安妮 萊斯。這些作品大大超出了當時社會所能容忍的限度，因此被官方文化界所不齒。

英國文藝復興時期的戲劇創導了後來的歌特小説。這時期的英國戲劇深受古羅馬劇作家塞內加（Lucius Annaeus Seneca）的影響，充滿復仇、陰謀、暴力和兇殺，甚至還有鬼魂出沒，因此情節驚險刺激。特別是莎士比亞的劇作和詹姆斯一世時期的悲劇（Jacobean Tragedies），對哥特小説的出現與發展更是產生了巨大影響。

浪漫主義：離陰暗恐怖只有一步之遙

在1800年左右的浪漫主義運動中（ROMANTIC MOVEMENT），中世紀文化逐漸極其相關事物在某些人眼中逐漸成為一種時尚。浪漫主義成為這場文 化運動的中心。浪漫主義者希望跳出歷史的限定，有些人希望回到中世紀時代，有些人從宗教或神祕注意中尋求理想，還有寫人試圖從自然中 得到答案。他們用自己不同的方式來達到自己的目標。在整個浪漫主義運動中歌特開始被認為和黑暗，奇異，鬼魅等相關連，浪漫主義和歌特 作家象Byron, Shelley, Baudelaire還有 Verlaine沉迷於對人類陰暗面的表現。歌特情緒在視覺藝術上也有明顯的體現，畫家象Caspar David Friedrich 對黑暗和荒涼的展現。而在建築上新歌特式逐漸成為時尚。這一時期許多歌特式小説家不斷湧現，不僅歌特文學是對人類自身黑色 陰暗面的展示，也是對當時社會正統思維模式的一種挑戰，是一種恐怖，神祕色彩的混合體。歌特小説中比較典型的角色是吸血鬼，例如瑪利.雪 萊的Frankenstein,布來恩.斯托克的Dracula,還有Edgar Allan 詩集中的描寫.斯托克筆下對吸血鬼化身的描述同以往比較走入了對立的角度.(當 代作家Anne Rice 的Interview with the Vampire和Poppy Z. Brite的Lost Souls等作品也是斯托克式的延續.)

中世紀的藝術曾被認為是一種怪誕的藝術，是外國人和蠻族人的產物。後來人們試圖用這個定義表示與哥特人毫無關係的、十七世紀中葉興起源於法國的藝術。

到了18世紀後期，哥特一詞又成了一種新的小説體裁的名稱。這種小説通常以古堡、廢墟或者荒野為背景，故事往往發生在過去，特別是中世紀；故事情節恐怖刺激，充斥着兇殺、暴力、復仇、、，甚至常有鬼怪精靈或其它超自然現象出現；小説氣氛陰森、神祕、恐怖，充滿懸念。作為一種小説體裁，哥特小説產生於1764年。那一年，賀拉斯•瓦爾浦爾（Horace Wapole）出版了著名小説《奧特朗托城堡》（The Castle of Otranto）。小説出人意料地成功，不到4個月就出第二版，在這一版上，瓦爾浦爾為書名加上副標題“一個哥特故事”（A Gothic Story）。這種小説因此而被命名為哥特小説。

二百多年來，在英美，不僅通俗作家熱中於哥特作品的創作，而且許多第一流的詩人和作家，比如英國的司各脱、柯勒律治、拜倫、雪萊、濟慈、狄更斯、勃朗蒂姐妹、康納德、福斯特、戈爾丁和美國的布朗、華盛頓•爾文、愛倫•坡、霍桑、馬克•吐温、詹姆斯、福克納、奧康納、莫里森等人都要麼直接創作過膾炙人口的哥特故事，要麼把哥特小説的手法大量運用於創作之中，使哥特小説從通俗小説這一文學領域的“邊緣地位”得以進入文學的中心和文學發展的主流，從而在英美文學中逐漸形成了十分突出的哥特傳統。

在18世紀到19世紀的建築文化與書寫層面，所謂的「歌特復興」（gothic revival），將中古世紀的陰暗情調從歷史脈絡的墓窖挖掘出來。同時，從18世紀末以來的一些文本，因為共同的基調與文體被歸類於「歌特小説」例如華爾普（Walpole）的<奧藍託城堡> （The Castle of Otranto）、安.拉得克里孚（Ann Radcliff）的《奧多芙的神祕》（The Mysteries of Udolpho）、路易斯（Lewis）的《僧侶》（The Monk），當然還有瑪麗.雪萊的《科學怪人》。

這些作品戮力於處理殘酷的與超自然的恐怖主題，而小説的背景通常建構於荒涼的古堡或者幽深的修道院，主角（通常是稚嫩的少女/男）身陷於無以擺脱的魔欲，和（通常是陽性的）施虐者展開一段以死亡為終結的際遇......在這些小説，箇中包含的情慾/性別（sexual/gender）關係，古怪地糾纏於神聖與魔鬼的角力；極度的來自於破滅（也就是儀式的「完成」）的那一刻。

象徵父權的宗教系統與企圖越的的黑暗（陰性）力量，在某種不可明説的層面，其實隱諱而酷異地分享著「愛慾交配死亡」的快感模式。在當代的恐怖小説陣營，如安.萊絲（Anne Rice）的《吸血鬼紀事》（The Vampire Chronicles）就流露出男情慾與父性機制的複雜互動。

以上大部分資料摘自暗夜妖嬈http://www.nkelnacht.com/bid/index.htm

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以下僅為個人看法：在教統治的歐洲，哥特顯然是被當做了異教徒的產物，受到其的，導致哥特族的四處，流離漂泊的命運（尤其他們攻佔了羅馬，教廷所在地），而在這種流離失所中所透出的絕望的悲哀美感更是哥特的動人之處。其實或許就像《達芬奇密碼》中説的那樣，現在的《聖經》是羅馬信仰異教的君士坦丁大帝為了鞏固自己的政權和統治，將異教與教混合而編寫的，他將耶穌神化，禁止並燒燬關於耶穌為人和他與抹大拉的瑪利亞婚姻以及瑪利亞王室血統的福音，從而創立了新的教。而閲讀被禁止福音的卻尊重歷史真實的教徒就成了所謂的異教。當時的羅馬天主教會毀壞一切異教及其文化，貶低女性可生育的神聖能力，貶低這美麗的文化，貶低女神，利用耶穌的偉大來迷惑教徒。其實哥特中也有很多與古老宗教文化的相似之處。例如，哥特族喜歡五芒星，也就是五角星，它的比例自動符合黃金分割率，代表金星，代表女人和沒得女神維納斯，在教產生以前是有關自然崇拜和女神崇拜的符號，而現在卻被誤解為惡魔的符號，都是君士坦丁創造的教打壓異教的結果。還有對女性，女神的讚美，在很多哥特美術作品，音樂中都可以看出，例如MV中仙音，暗潮中的女主唱形象的塑造。很多哥特圖片中運用的五瓣玫瑰也是讚美女性的特質得象徵。還有上面哥特小説中提到的靈與肉交融的神聖婚禮“神婚”儀式，古人認為男人只有與女人肉體上的結合，才能成就精神上的完善，並因此獲得認知感知神性，性的儀式被認為是男人與女人藉以感知上帝存在的行為。

這些都讓我們覺得可能哥特和其他早期古老宗教一樣神祕神聖。説這些是想説明哥特文化隨着教與異教混合流傳下來，並深入宗教，就像歐洲各大教堂，所以你用心體會都不難發現。

個人認為現在的恐怖電影都或多或少加入哥特元素，與宗教，黑暗有關，例如這些我看過的《剪刀手愛德華》《理髮師陶德》《夜訪吸血鬼》《吸血鬼女王》《黑夜傳説》《寂靜嶺》《德古拉》《範海辛》《指環王》《加勒比海盜》（海妖）《哈利波特》（伏地魔），前面幾部大多都和吸血鬼有關，因為吸血鬼與哥特族有着太多的相似之處，面色蒼白，黑衣，討厭陽光，喜歡黑暗，躺棺材裏睡覺，妖嬈血腥的美，高貴優雅不可一世。後面的大多是現代大片，其中的哥特元素都被用在反面人物身上，畢竟一般人還是喜歡正義和常人所能接受的美。

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下面的資料出自百度哥特小説吧http://tieba.baidu.com/f?kz=440178575

早在1921年，一位名叫克里斯滕森的瑞典人就拍出了一部名為《歷代的巫術》的影片。眾所周知，當時的電影剛剛誕生不久，還處在幼稚期，完整的有故事情節的影片還是鳳毛麟角，電影特技也是簡單粗糙，所以克里斯滕森採用了紀錄片的形式，為我們在銀幕上覆現了一些有關“巫術”的影像資料。説是紀錄片，但其中的鏡頭基本上是擺拍的，以我們今天的眼光來看，倒更像是一部專題片。但不管怎麼説，這是哥特文化第一次融入到電影藝術的表達領域裏，異教、死亡、巫術等陰暗面元素第一次成為了電影的表現主題，從這個意義上説，這是一部不折不扣的哥特電影。由於影片的主題過於超前，《歷代的巫術》遭禁映達數十年之久，到二戰以後才被解禁。值得玩味的是，歷史上的哥特民族可能也正是來自於瑞典所在的斯堪地納維亞地區，相隔千年之後，也正是在這片土地上誕生了人類第一部哥特電影。

不過第一部有影響的哥特電影卻是來自德國，在《歷代的巫術》誕生一年之後，德國導演茂瑙拍攝了電影《吸血鬼諾斯費拉杜》，自此，大名鼎鼎的吸血鬼正式出現在了大銀幕上。事實上，影片中的主人公正是那位愛爾蘭作家斯托克筆下的臭名昭著的德古拉伯爵，只是為了避免版權糾紛，茂瑙才給它改了個名字，不過此舉並沒有起到預期的效果，影片上映後，版權方面就一直麻煩不斷，直到現在也沒有一個塵埃落定的説法。不過，影片本身確實是非常成功，甫一上映就立刻引起了轟動，茂瑙也憑藉此片奠定了自己大師級導演的地位。《吸血鬼諾斯費拉杜》也成為了人類電影史上第一部里程碑式的哥特電影。值得一提的是，當時的德國影壇，正是表現主義電影處於統治地位的階段，而除了《吸血鬼諾斯費拉杜》以外，另一部表現主義電影《泥人哥連》，也是一部很出色的哥特電影。只不過由於《吸血鬼諾斯費拉杜》的光芒過於耀眼，以致於《泥人哥連》幾乎都被人遺忘了。

《吸血鬼諾斯費拉杜》的巨大影響力很快波及到了大洋彼岸，此時正處於上升時期的好萊塢對有票房號召力的題材自然是來者不拒，1931年，美國導演勃朗寧便依照斯托克的原著小説原原本本的將吸血鬼德庫拉伯爵的故事搬上了大銀幕，這便是影片《吸血狂魔》。該片是世界上第一部有聲哥特電影，上映後同樣是好評如潮，取得了意想不到的巨大成功。尤其是本片的主演貝拉·盧戈西，他所刻畫的吸血鬼形象是如此的深入人心，以致於在他死後多年，還有人堅信他本人就是一個真正的吸血鬼。

方興未艾的哥特電影浪潮很快被二次世界大戰的到來所打破，現實世界中的恐怖顯然比銀幕上的恐怖來得要可怕得多，在戰爭年代，人們在電影裏需要的是心靈的慰藉、靈魂的撫慰，而不再是宣揚死亡、痛苦的哥特電影。

二戰以後，隨着經濟、社會的復甦，電影產業也逐漸回暖，而哥特電影也再一次被納入到了電影創作的軌道上。1958年，在德庫拉小説誕生的地方——英國，這位大名鼎鼎的吸血鬼伯爵又一次出現在了大銀幕上，這便是特雷西·菲捨爾所拍攝的影片《德古拉的噩夢》。該片塑造了一個嶄新的吸血鬼形象，從這部影片開始，吸血鬼開始擁有又長又尖的獠牙，只要一張開嘴就會露出來。而主演克里斯托弗·李出色的表演更是出神入化：他五十來歲、高大英俊、兩鬢花白、舉止威嚴，神情兼具貴族的優雅和獸性，成為後來者模仿的樣板。可以説，《德庫拉的噩夢》奠定了至今為止哥特電影中吸血鬼形象的標準模式。

1959年，法國導演喬治斯·弗郎吉所拍攝的《無顏之眼》成為第一部沒有吸血鬼形象的經典哥特電影。這部採用了黑白影像的電影，攝影術運用精湛、畫面效果精緻、情節離奇恐怖，讓人過目難忘。特別是影片的詩意氛圍，賦予了哥特電影另一種全新的氣質，極大的豐富了哥特電影的表現手法。不過總的來説，從戰後一直到80年代，哥特電影還處於發展期，勢頭較弱，數量也不多，有影響的作品更是鳳毛麟角。除了上面所提及的那幾部以外，就得算1979年赫爾佐格所翻拍的他的前輩茂瑙的那部成名作了。赫爾佐格號稱“德國四大導演”之一，輔之以克勞斯·金斯基的出色演繹，赫爾佐格版的《吸血鬼諾斯費拉杜》在50年後取得了不亞於茂瑙版的成功。

在整個80年代，值得一提的哥特電影得算1983年好萊塢出品的《》。這部由託尼·斯科特導演、凱瑟琳·德納芙和蘇珊·薩蘭登主演的影片同樣以吸血鬼為題材，但在這部影片中，吸血鬼角色不再是男性的專利，而是把女性吸血鬼作為了主角。當然在此前的影片中，也出現過女性吸血鬼，但都沒有什麼太大的影響。而這部影片則徹底突破了吸血鬼的既有形象，為我們塑造了一個優雅、迷人而又危險的女性吸血鬼的標準形象，也成為後來者模仿的標版，在此後的影片中所出現的女性吸血鬼角色，大多離不開《》中所塑造的那個模式。

直到上個世紀90年代，哥特電影才真正迎來了發展的黃金時期。在這個時期，哥特電影不僅在歐美，更在全世界掀起了一浪接一浪的。1990年，一個名叫蒂姆·波頓的導演找到了一個名叫強尼·戴普的演員，聯袂為我們貢獻了一部名為《剪刀手愛德華》的影片——自此，哥特電影復興的大幕在好萊塢被徹底掀開了。作為一部當代里程碑式的哥特電影，《剪刀手愛德華》的意義是怎麼評價也不為過的。這部影片沒有吸血鬼，沒有巫術，也沒有宗教背景，但同樣編織出了一個黑色的、講述孤獨、死亡和痛苦的精彩的哥特畫卷……天才的蒂姆·波頓把古老的哥特文化和當下的時代背景天衣無縫的融合在了一起，給哥特題材注入了全新的生命力，從而在根本上拓展了哥特電影的題材範圍。蒂姆·波頓也藉此逐漸成為當代最偉大的哥特電影大師，他和強尼·戴普這一對黃金搭檔也配合得天衣無縫。1999年的《斷頭谷》就是二人再次合作的結晶，這一次波頓開始出人意料的直接以巫術為題材，為我們描述出世紀末一曲悽婉、仇怨、令人回味無窮的哥特哀歌。

《剪刀手愛德華》的成功堅定了好萊塢製片人們投資哥特電影的決心。1992年，大名鼎鼎的德庫拉伯爵終於再一次粉墨登場了。這一回，掌鏡的是好萊塢“教父”級導演科波拉。科波拉網羅了一大批好萊塢明星，大手筆的給我們講述了一個橫亙數世紀的愛情故事，這就是電影《驚情四百年》。《驚情四百年》以好萊塢的方法徹底重構了德庫拉伯爵的故事，從而給流傳了幾百年的德庫拉傳説賦予了全新的意義。影片大氣恢弘，特技眼花繚亂，加上好萊塢的宣傳攻勢，很快席捲了全球的電影市場。

90年代初的哥特電影浪潮並不僅止於此，越來越多的電影人都開始對哥特題材感興趣。1994年，愛爾蘭導演尼爾·喬丹振臂一呼，好萊塢三大帥哥便齊集麾下，為我們集體奉獻了另一部堪稱史詩的偉大哥特電影——《夜訪吸血鬼》。對一般影迷來説，《夜訪吸血鬼》最大的看點恐怕在於湯姆·克魯斯、布拉德·皮特和安東尼奧·班德拉斯的聯袂演出了，但影片本身並不遜色，絕對可以稱得上是吸血鬼題材的集大成者了。影片的時間跨度達數百年之久，而且地域也橫跨歐美兩大洲，向我們全景式的展現了一個與人類社會並存的吸血鬼世界，並別出心裁的以吸血鬼的視角描述出了它們自己的心路歷程。《夜訪吸血鬼》是如此的成功，以致於我們甚至可以斷言，吸血鬼的故事就此可以畫上一個句號了，在此後20、30年乃至更長的時間裏，也不會有超過他們的同類型電影了。

在吸血鬼電影大獲成功的同時，另一部名為《烏鴉》的電影闖入了哥特影迷們的視野。相對於好萊塢主流大製作而言, 《烏鴉》顯得更獨力、更 另 類、也更cult一些。

時光進入21世紀，哥特電影已在全世界遍地開花。一向以藝術氣息濃厚著稱的法國人也沒有放過哥特電影的創作。2001年，一部名為《狼族盟約》的法國電影讓全世界的哥特影迷都驚喜不已。該片以法國鄉間關於吃人巨獸的真實傳説為藍本，糅合了懸疑、巫術、驚悚、異域等多重色彩，精緻而又細膩的在銀幕上為我們還原了一個以哥特文化為背景的引人入勝的精彩故事。兩年之後的2003年，法國人則給哥特影迷們帶來了更大的驚喜。這一年，法國人制作出了一部出色的3D動畫片《蓋娜》。《蓋娜》是世界上第一部有廣泛影響力的哥特動畫長片，全片既吸收了好萊塢常用的科幻元素，又保留了法國人對哥特文化的理解。特別是影片中外星生命體的形象，妖魅、高貴、危險、黑暗，符合哥特文化中一貫的典型形象的特徵。在該片中，的外星生命以植物汁液為食，強迫人們冒着生命危險為其採集，實際上這裏的植物汁液正應對着傳統哥特文化中的人類鮮血。此外，外星人的統治是通過巫師、祭祀對人們的精神控制來實現的，可以理解為是該片的創作者依託科幻背景對宗教內容的一次全新演繹，反映了創作者們對宗教傳統的獨特反思，而這種反思，正是承襲了哥特文化中的異教傳統。

時至今日，史詩性的哥特電影浪潮已經過去，但哥特電影的題材越來越廣泛，同時，哥特電影也開始向傳統的類型片靠攏，逐漸融合了其它傳統類型片的特點，使得觀眾們接受起來更加容易。2003年的美國影片《吸血鬼女王》就是個中代表。這是一部以經典吸血鬼題材為主題的電影，但在這部影片中，融合進了街頭文化、黑人文化的特色，吸血鬼也擺脱了以往白人男性貴族的身份設置，而是以黑人女性的面貌示人。全片節奏明快，音樂強勁，可以説，這是一個黑人街頭版的吸血鬼故事。此外，2003年的《黑夜傳説》和2004年的《範·海辛》則反映了哥特電影的最新發展趨勢。這兩部影片都結合了好萊塢慣用的動作片特點，極盡動作、打鬥之能事，如果去掉其中的哥特背景，則是不折不扣的動作片。而且，兩部影片都以哥特文化中最經典的兩大傳統形象——吸血鬼和人狼為主角，在銀幕上讓二者大打出手。《黑夜傳説》講述了人狼和吸血鬼相愛的哥特版的羅密歐與朱麗葉的故事，《範·海辛》則以傳統的德庫拉故事為母題，把其中的吸血鬼剋星範·海辛博士直接變成了人狼，倒也別有一番趣味。

"好萊塢式"電影特徵

1、表現手法

在藝術上大量借鑑了歐洲藝術電影的創作經驗，電影創作者們在跳出經典好萊塢戲劇電影模式的同時，又吸納其合理成分，在表現手法上突出電影的影像功能。

2、情節結構

打破追求戲劇性的單向敍事模式，時空轉換更加靈活，不再追求故事情節的完整性而尋求開放的結尾。

3、人物不再定型化

是根據其性格自身的發展展現其自然本性。善與惡不再是劃分人物好壞的涇渭分明的標準。除此之外，新好萊塢電影在人物和情節的關係上，使人物不再隸屬於情節而是從情節突出人物。

擴展資料

好萊塢電影代表作品

1、《卡薩布蘭卡》

美國式主旋律作品最早也是最著名的篇章。在裏克咖啡館中大家高唱《馬賽曲》的片段，在當年曾經鼓舞了無數為反法西斯戰爭奮鬥的人們，即使在今天，我們依然可以從這一段落感受到愛國主義的力量。與此相比，主人公間的俊男倩女式的愛情糾纏，就成了影片的小小佐料。

2、《教父》

科波拉在影片中塑造的堂·克里昂家族史，在背叛、忠誠、愛情、親情、敵人之間輾轉掙扎，將人性的光芒與卑微闡述得如此鮮明生動，《教父》的意義已經超越了普通的黑幫人，它更應該是被視作一部史詩而具備存在的價值。

美國明星尼古拉斯凱奇的具體資料?

尼古拉斯-凱奇(原名尼古拉斯-科波拉)，1964年1月7日出生在美國加州的一個藝術之家，他的父親是前舊金山大學文學院院長奧古斯特-科波拉，他的叔叔是以《教父》和《現代啟示錄》等片聞名於世的大導演弗朗西斯-科波拉。作為科波拉家族的一員，他從小就在充滿音樂與書籍的環境中長大，並對演戲、攝影產生了濃厚的興趣。他17歲開始進入電影圈，為了不受叔叔名氣的影響，改從他喜愛的作曲家約翰-凱奇的姓。

1982年，尼古拉斯初次在影壇露面，在《開放的美國學府》中扮演一個角色。次年他又出演影片《村姑》和《鬥魚》。1984年，在名片《鳥人》中，凱奇擔任了主角，充分展現了他那過人演技，開始為人們所矚目，該片1985年獲得了戛納電影節評委會大獎。凱奇在該片中的表演受到了肯定，開始走向成功。在此後的幾年裏，他又拍了《棉花俱樂部》、《愛的召集令》、《憂鬱男孩》、《佩吉蘇要出嫁》、《撫養亞利桑那》、《月色撩人》等影片，在這些影片中他對不同的角色的處理都極見功力，有着不錯的表現。

1988年，他在影片《吸血鬼之吻》中扮演了一位紐約雅皮士，後來變成了一個吸血鬼，該片堪稱是凱奇從影以來最為“過分”的演出。1990年他又演出了《火鳥出擊》和《野性難馴》。《野性難馴》有着詭異強烈的影像風格，及超現實的氣氛。片尾凱奇身着蛇皮夾克站在滾滾車流之上演唱貓王名曲“Love Me Tender”一段更成了電影史上的一個經典場面。該片1992年獲第43屆戛納電影節金棕櫚大獎，成了凱奇創作的轉折點。

1995年對凱奇來説是至關重要的一年，他主演的《逃離拉斯維加斯》是一部成本僅有三百五十萬美元的小製作影片，凱奇投入的不只是他的靈魂，他更只是收取了微薄的片酬。在這部片中凱奇獲得的片酬只有他平常的十分之一！不過他那深入靈魂的表演卻使他贏得了一尊金光閃閃的奧斯卡金像，這是金錢所難以估量的，該片使他成為最炙手可熱的男明星。之後他轉變戲路，向動作片進軍。他於1996年主演的動作片《絕地任務》使他躍身成為全球國際票房巨星，證明了他的戲路相當寬廣，是個貨真價實的奧斯卡影帝。1997年又以《空中監獄》和《變臉》雄霸暑期票房。尼古拉斯-凱奇在一夜之間成為了好萊塢又一動作派票房巨星。

有趣的是，高大挺拔的尼古拉斯-凱奇在動作片中總是驍勇善戰，上山下海、對付仇敵無所不能。不過，這位銀幕英雄，從小就患有懼高症，對高處有極深的恐懼感。患有懼高症的他居然是新一代的超人，將在電影《超人5》中扮演飛天遁地的超人，實在有夠諷刺。

主演影片：

《開放的美國學府》(《Fast Time at Ridgement High》1982)

《村姑》(《Valley Girl》1983)

《鬥魚》(《Rumble Fish》1983)

《鳥人》(《Birdy》1984)

《棉花俱樂部》(《The Cotton Club》1984)

《愛的召集令》(《Racing with the Moon》1984)

《憂鬱男孩》(《The Boy in Blue》1986)

《佩吉蘇要出嫁》(《Peggy Sue Got Married》1986)

《撫養亞利桑那》(《Raising Arizona》1987)

《月色撩人》(《Moonstruck》1987)

《吸血鬼之吻》(《Vampire's Kiss》1988)

《火鳥出擊》(《Fire Birds》1990)

《野性難馴》(《Wild at Heart》1990)

《今夜你寂寞嗎》(《Honeymoon in Vegas》1992)

《西部紅石鎮》(《Red Rock West》1993)

《黑白追殺令》(《Amos and Andrew》1993)

《超級賭徒》(《Dead Fall》1993)

《第一夫人的保鏢》(《Guarding Tess》1994)

《傾城佳話》(《It Could Happen to You》1994)

《天堂有難》(《Trapped in Paradise》1994)

《死亡之吻》(《Kiss of Death》1995)

《逃離拉斯維加斯》(《Leaving Las Vegas》1995)

《絕地任務》(《The Rock》1996)

《變臉》(《Face Off》1997)

《空中監獄》(《Con Air》1997)

《歡迎來到好萊塢》(《Welcome To Hollywood》1998)

《X情人》(《City Of Angles》1998)

《蛇眼》(《Snake Eyes》1998)

《8毫米》(《8mm》1999)

《穿梭鬼門關》(《Bringing Out the Dead》1999)

獲獎記錄：

1992年以影片《野性難馴》(《Wild at Heart》1990)獲第43屆戛納電影節金棕櫚大獎。

1996年以影片《逃離拉斯維加斯》(《Leaving LasVegas》1999)獲第六十八屆奧斯卡最佳男主角獎

什麼樣的電影稱之為好萊塢電影

新好萊塢電影：

在法國「新浪潮」電影運動的美學觀念的衝擊下，世界各國電影或遲或早地都在產生着新的變化。而在這一變化中，最引人注目的是出現於六、七十年代的新好萊塢電影與新德國電影的變化。雖然，這一變化在今天已經在某種程度上由他們自己所，或以新的科技手段所取代，但它仍舊是世界電影發展中一個極為重要的時期和一個極為重要的現象。它使半個世紀以來舊的電影製片產生了動搖，使傳統的美學觀念又一次遭到了深刻的打擊。它從更普遍的意義上證實了法國「新浪潮」時期電影美學的真正意義

第一節 新好萊塢電影所產生的背景

所謂「新好萊塢」指的是：從1967年一1976年，這樣一段時間。好萊塢電影在經歷了意大利新現實主義電影和民族電影興起的影響之後；在經歷了法國新浪潮的衝擊之後，在經歷了自身從50年代到60年代的商業影片製作的衰退與電視對電影製作的衝擊之後，於酗年代後半期和70年代，開始對近親繁殖的類型電影從形式到主題進行了「反思」。而在另一方面，美國社會的動盪與的危機；電影舊與舊觀念的危機，都成為這時期電影與演變的主要背景及因素。

60年代，美國社會處於一系列嚴酷的社會現實：謀殺叢起、越南戰爭、民權運動、經濟衰退、危機等等。

1962年，約翰·肯尼迪當選為合眾國的總統，他是第一個主張同勞工對話並被南北方美國共同認可的總統，也是第一個主張宗教自由的天主教總統。人民充滿信心和希望，嚮往着社會和改革的進步。然而，1963年，約翰·肯尼迪遇刺。肯尼迪之死標誌着「美利堅精神信念大廈」的坍塌。此後一系列謀殺出現：1965年4月，馬爾科姆被刺；1965年5月，羅伯特·肯尼迪被刺；1968年，馬丁·路德·金被刺；1970年，肯尼迪兄弟的母親又慘遭遇難。這些造成了長期的社會、人心浮動。

就在肯尼迪被刺的同一年，美事代表團進駐越南，從此拉開了這場發生在遙遠的亞洲的戰爭序幕。1964年，美軍轟炸越南；

1965年，地面參與戰爭；直到1973年，美軍撤出越南，戰爭才宣告結束。這場曠日持久的戰爭使美國付出了高昂的代價，36．5萬個年輕的生命被惡魔吞噬。這個數字幾乎是第二次世界大戰和朝鮮金爭的總和(二戰：20萬人；朝鮮戰爭：10萬人)，成為美國曆史上損失最慘重的一次戰爭。這使得曾經普遍堅信美國製度的優越的人們開始產生了疑問。好萊塢，這個曾以《一個國家的誕生》和《黨同伐異》向世界電影挑戰，並以《飄》等影片征服了世界銀幕的電影之都，在此期間戰爭這一類型的影片幾乎徹底遭到了破產，美國人民以他們青年人的熱血和生命的代價，換來了對美國精神的思索和批判，同樣是肯尼迪被刺的同一年，在美國爆發了由20萬人參加的聲勢浩大的民權示威。這個由多民族組成的美利堅合眾國的歷史曾起源於販賣黑奴，共和國的歷史則起源於黑奴的解放o。雖然，曾於1954年又頒佈了「反對種族歧視的法令」，但仍舊發生了10名黑人女大學生遇難的「小石城事件」。1962年，3個美國黑人考入大學，但和校長卻站在門口阻攔他們入學，當時的肯尼迪總統下令，調動了3000聯邦軍護送這三個人入學。1963年，由上而下的艱難的社會變革，結果變成了一場自下而上的民權運動。

1965年，洛杉礬黑人住宅區，面這一慘狀空前的事件通過現代大眾傳播媒介體——電視的形式得到了及時的轉播，激起人識的覺醒，甚至待中間立場的白人也站到黑人一邊。1967年，民權運動升級，黑人要求「種族隔離」，提出將路西安娜州變為「黑人州」，施行「黑人自治」。民權運動領袖馬丁·路德·金還帶頭火燒兵役證，以示對越戰的。15萬人向五角大樓走來，反對美國侵越戰爭。雖然在「內亂外患」惶惶不可終日的情況下，仍堅持反動立場，示威羣眾。1971年的一次規模浩大的遊

行示威中，僅被捕者就多達15000人。

1970年，「水門事件」發生，美國議會由史以來第一次了他們的總統。美國失去了人心民心，引起了強烈的憤懣。美國對外擴張的霸權也受到了阻隔。民主與暴力行為，戰爭與人民反抗、民權運動的高漲與壓制，形成了美國社會運動的三大潮流。而這時在青年人當中「弗洛伊德」盛行，一種逆反心理通過德皮士、性自由等形式體現出來。新好萊塢電影運動便誕生在這樣一個「社會、民主危機的時代」，其社會和的原因是無法迴避的。

新好萊塢電影產生的國內經濟文化方面的原因；似乎主要歸於電影與電視的競爭。進入50年代，電視就開始威脅着電影業，美國人與法國人採取的是不同的態度和方式，法國人所考慮的是在藝術美學上的，而美國人則更多考慮的是技術上的，他們將：寬銀幕、立體電影、汽車影院、甚至嗅覺電影等，一系列新技術推向市場。這一措施在企圖奪回電視觀眾的同時，實際上仍舊在維護着好萊塢的傳統職能。然而，酗年代中期，美國家庭90％以上都有了電視，人們坐在家裏看電視的機會和時間越來越多，電視台與節目數量也與日劇增，不僅吞噬掉全部好萊塢的影片，還在電視上開始大量地播放歐洲影片。而這來自：意大利新現實主義、日本電影、瑞典的英格瑪·伯格曼，特別是法國的「新浪潮」等一系列電影文化的衝擊，開始從根本上動搖了好萊塢的製片，一場電影業的「」在醖釀之中—O。出現了一些不依附於大公司的「皮包公司」i他們的確解決了劇本、導演、演員等方面的問題，也拍攝出了幾部影片，但最後還是要大公司來為他們發行。「」很快地煙消雲散了。然而，它卻預示着美國電影「新浪潮」的出現。就在這時一批電影學院的學生走上社會，開始了他們的電影創作。這些青年人崇拜和嚮往歐洲電影，接受了「作者觀念」的影響，也試圖象歐洲青年藝術家一樣，用電影講述自己的故事，用自己的方法講述個人的、新的、非主流的故事。1967年，阿瑟·佩恩拍攝的《邦尼和克萊德》影片公映，儘管影片中表現的仍是一個英俊瀟灑的青年和一個美貌風流的姑娘的愛情故事，但是他們西裝革履的外表掩飾不住他們的真實身份：兩個手持彈、搶劫銀行的「江洋大盜」。這是美國電影銀幕上首次出現的與傳統好萊塢電影人物形象沮然不同的新人物，他們同《四百下》中的安託納、《精疲力盡》中的米歇爾一樣，是個十足的無主義者，是社會秩序的破壞者和者。影片片頭所採用的字幕形式資料照片強調了人物的歷史傳記色彩、強調了敍事的真實性和紀錄性，這也同《四百下》中的安託納被詢問時的時空異步的剪輯有着一樣的精心設計。而現實社會的問題，越南戰爭的失敗和陰暗的社會前景也在影片結尾的改寫上體現出來，觀眾已經厭倦了「大團圓的結局」，這一程序再也行不通了。結尾時邦尼和克萊德被打得千洞百孔的身體與被擊斃在巴黎街頭的米歇爾何其相似。這部影片的成功在於人們接受了對「美國正面形象的巨大否定」，它了美國電影的強盜片和警匪片的類型模式。而類型模式的破產之目便是作者電影的生成之時，影片《邦尼和克萊德》標誌着美國新好萊塢電影的誕生。

第二節 新好萊塢時期的電影創作

60年代末，美國電影製作者的觀念在變化，觀眾的觀念也在超越現實的精神狀態，他們要利用『『青年人與現存社會的矛盾」和「現行社會的危機」，就像一個好萊塢的製片人所説的那樣「是容易脱手的完美商品」。他們企圖以「』』打人市場，就如同那一時期出現的德皮士資本家一樣。這類的影片以後還有：波拉克拍攝的《傑裏邁亞·約翰遜》(1969年)、波格丹諾維奇拍攝的《紙月亮》(1972年)和盧卡斯的《美國風情錄》(1973年)等。《道遙騎士》成為六、七十年代美國電影史上重要的分水嶺，它引起了美國電影的深刻變化，並導致了某種「自由」浪漫、躁動的暴力情緒和風格」。這部多少帶有試驗性質的影片預示了1975年《出租汽車司機》的藝術方向。

影片《出租汽車司機》的導演是出生在紐約「小意大利區」的馬丁·斯柯塞斯，他曾做過短片、剪輯、助理導演等職。斯柯塞斯從f、目睹了小意大利區生活中的種種青年人的精神苦悶與孤獨的生活。他對街道上屢屢發生的暴力事件及行為有着深刻印象，本來做神職人員的理想漸漸被藝術情趣所取代。1968年，斯柯塞斯拍攝了作《誰在敲我的門》。此後，他遇到了約翰·卡薩維特斯，他的友誼與忠告一直伴隨着他，這就是「小夥子，永遠不要導演商業影片2，，斯柯塞斯後來以《出租汽車司機》和《的最後》實踐了這一忠告。

弗朗西斯·福特·科波拉是新好萊塢電影創作的中間分子，曾被傳統的人稱之為是美國的新浪潮的旗手，是一個擅長表現人的孤獨與暴力的偉大導演，又是一位多才多藝的藝術家。他曾與1962年拍攝了他的作，一部恐怖片《痴呆症》；1967年，拍攝了作為在加利福尼亞大學碩士論文的《他已是小夥子了》起了人們的注意；1970年他又因《巴頓》一片的編劇(獲得奧斯卡最佳編劇獎)而成功，為自己確立了地位；1972年，描寫黑手黨領袖的強盜片《教父))．，因創造了2億美元的票房，而獲得美國電影史上空前的記錄；1974年，那部關於竊聽專家哈里，考爾的《對話》，在聲畫對佼上精妙的處理，使人們看到了「美國新電影中最令人感興趣的形象」；1979年，《現代啟示錄》出現，這部影片同前一年出現的邁克，西米諾的《獵鹿人》一起，對人們一直保持沉默的「越南戰爭」問題發了言……。科波拉的電影創作走過了一條輝煌的歷程。他從製片開始，不僅自己製作影片，還資助別人拍攝影片，盧卡斯的《美國風情錄》就是在科波拉的幫助下(科波拉的製片人)拍攝的。他雄心勃勃企圖要改變舊好萊塢，他曾説「我要為電影藝術賠上一生」。然而，由於他所獲得的巨大成功，使他逐漸地背離了自己，走向了「重磅」的高成本、重大題材的製作。在新好萊塢時期之後的好萊塢似乎什麼也沒有改變。

在這一時期獨具特色的影片還有：羅伯特。阿爾特曼，這個稱作「失魂落魄的夢幻者」，於1969年拍攝的《公園裏最寒冷的一天》；西德尼·波拉克於lQ69年拍攝的《無力的馬不是要射殺嗎》；

哈爾。阿什比於1971年拍攝的《哈羅德和莫德》；以及米洛斯·福爾曼拍攝的《飛越瘋人院》等等。新好萊塢電影在商業片領域裏也取得了廣泛的成就：在喜劇片類型中，出現了傑裏。劉易斯、伍迪·艾倫和梅爾·布魯斯。他們3個人都是喜劇的導演和演員，他們的「相聲滑稽劇」妙語連珠地嘲諷了社會，既顯示出美國強大的喜劇傳統精神，又融入現代色彩。商業片卓越天才斯蒂芬。斯皮爾伯格於1975年拍攝的科幻片《大白鯊》，這部影片實際上預示了以後的《外星人》(1982年)、《株羅紀公園》(1993年)等影片的出現與成功。他還在36歲的時候，就曾有4部影片被列入美國最上座的10部影片之中。斯皮爾伯格影片的巨大的票房收人為美國電影贏來席捲全球的聲勢。

從70年代到80年代的過渡時期，新好萊塢完成了自己的使命。近10年的時間，美國每年生產200部左右的影片，電影與電視爭奪觀眾的競爭已達到平衡。電影保持着10一12億的觀眾，並且有了自己的越來越廣闊的海外市場。據1993年的統計證實，美國電影國內票房收入達52億，發行收入26億。視聽產品的貿易順差僅次於飛機制造出口業，為美國第二大行業。在全年世界銀幕上上座率最高的10O部影片中美國影片佔88部。

參考資料：http://www.nikerchina.com/film/faxiandianying/dishizhang.htm